Techno y house coloreados con influencias rock, jazz y una fuerte influencia del pop más clásico son las principales corrientes que dan forma a la música de Booka Shade, acto alemán formado por Walter Merziger y Arno Kammermeier que actualmente es uno de los más importantes dentro del circuito electrónico mundial.

Desde que su disco debut fuera publicado el 2004 por Get Physical, sello que fundaran el 2002 junto a Dj T y M.A.N.D.Y., la banda no sólo ha escalado posiciones por la sólida y ecléctica propuesta de su trabajo, si no también por una puesta en escena que derrocha una fuerte energía y que es ampliamente celebrada en cada una de sus presentaciones, convirtiéndose en un apetecido número para festivales entre los que se pueden destacar Monegros, 10 Days Off, Snowbombing, Identity, Big Day Out o las distintas versiones alrededor del mundo de Creamfields.

Durante su carrera han publicado cuatro álbums, más un quinto en camino, han lanzado hits como Body Language, Mandarine y Charlotte, y han remixado a artistas como Depeche Mode, Moby, The Knife o Tiga, comprobando un talento y habilidades que los hacen capaces de adaptarse de forma evolutiva a distintos contextos musicales sin perder la escencia que los define.

A poco de su regreso al país para presentarse en una nueva fiesta Sundeck, nos contactamos con la pareja para conocerlos un poco más en profundidad. La entrevista fue respondida por Arno.

Booka Shade nació como el resultado de una reinvención musical que tuvieron luego de Planet Claire, una banda de orientación synth-pop. ¿Qué los llevó a comenzar un nuevo capítulo y cómo evalúan la carrera que han llevado desde entonces?

Siempre estamos en busca de nuevos desafíos. Nuestra primera banda fue Planet Claire, un grupo de pop formado a comienzos de los 90s. Firmamos por un sello grande, pero nos sentimos muy frustrados al descrubrir como funcionaba el negocio, por lo que finalmente nos alejamos y formamos Booka Shade.

Algo similar ocurrió cuando fundamos Get Physical el 2002. Nos propusimos demostrar que un pequeño sello independiente podía lograr el éxito y comprobamos que era posible. Vendimos más de 100.000 vinilos únicamente con el disco Movements y los singles extraídos de ese trabajo.

¿Cuál es el rol de cada uno en la banda?

Cuando comenzamos solíamos pasar por el estudio todos los días para trabajar en música. Hoy hemos logrado implementar un método de trabajo que permite que Walter se concentre completamente en la música y yo me pueda preocupar del lado Dj. Desde hace poco tenemos dos estudios, uno fuera de Berlín, donde Walter construyó una casa, y otro, en el centro de la ciudad, donde estoy yo, por lo que podemos grabar cada uno en su estudio y luego enviarnos el material.

El éxito que han tenido durante los últimos años ha apretado aún más su agenda de presentaciones, concretando actuaciones por todo el mundo. ¿Cómo organizan su tiempo para poder producir? ¿De dónde sacan la inspiración para hacer música con tan poco tiempo libre?

Trabajamos en cualquier lugar, en cualquier momento. Al parecer hemos logrado un buen manejo de nuestros tiempos, ¡Recuerda que también tenemos familias!

En los discos anteriores, gran parte de la producción era trabajada en un laptop que llevábamos con nosotros durante los viajes, pero para el nuevo disco grabamos muchos instrumentos en un estudio. Encontramos un lugar increíble en Manchester llamado Eve Studios. El dueño tiene una enorme cantidad de equipos, algunos que conocíamos y otros que jamás imaginamos que existieran, como unos extraños instrumentos electrónicos provenientes de Asia.

¿Ha afectado este ritmo de trabajo su vida personal?

Cuando tienes hijos, te re-formulas la idea del estilo de vida del tipo “Quiero ser una famosa estrella techno que viaja por el mundo”. Quieres estar en tu casa, con tu familia y ver a los niños crecer. De otra forma, ¿Cuál sería el punto de tener hijos? Es lo mejor que nos podría haber pasado; nos muestran lo que realmente importa en la vida, por lo que tratamos de mantener los tours lo más condensados posible. Cuando estamos fuera, preferimos estarlo por un mes completo, para luego volver por otro mes y así evitar salir cada fin de semana. Con un ritmo de fin de semanas estás cansado el lunes, y el martes ya estás pensando en el próximo viaje, por lo que nunca estás realmente en casa. A veces es un cambio drástico llegar de una larga gira, aún entusiasmado por exitosos shows donde eras el centro de todo y que esto pierda completamente su relevancia. Es importante saber dejar lo que no importa a un lado.

Se conocen hace más de 20 años. ¿Cómo describirían su relación? ¿De qué forma trabajan para conectarse tanto a nivel artístico como personal?

A veces es difícil, ambos tenemos características propias que suelen enloquecer al otro. Pasamos mucho tiempo juntos, más del que pasamos con nuestras madres o novias/esposas, y hemos atravesado por muchas situaciones estresantes tanto en giras como en el estudio. Al terminar una gira tratamos de separarnos un tiempo y darnos un tiempo para respirar, pero normalmente, luego de un par de días, hay nuevas ideas sobre las que necesitamos conversar…

Creo que son el respeto mutuo y el entendimiento lo que nos mantiene juntos, además de tener los mismos sueños musicales y querer lograr las mismas cosas. Somos nosotros contra el mundo.

Ya no forman parte de Get Physical, por lo que podríamos decir que de alguna forma es la herencia que dejaron al mundo de la música electrónica. ¿Que significó el sello para sus carreras? Teniendo en cuenta que se convirtió en uno de los más importantes de la industria.

Estamos muy orgullosos de lo que logramos con los chicos de M.A.N.D.Y. y Dj T. Fue mágico; la gente correcta llegó en el momento indicado para hacer lo que se debía hacer. Pero como en toda relación, debes saber darte cuenta cuando las cosas ya no funcionan. El sello creció muy rápido y de la nada nos involucrarmos en constantes conversaciones financieras, presiones y políticas. Discutíamos todo el tiempo, lo que nos agotó, por lo que decidimos tomar los derechos sobre nuestra música y dejar el sello en manos de M.A.N.D.Y. De esta forma mantuvimos nuestra amistad intacta; hablamos prácticamente cada semana. A veces, esto es un factor más importante que estresarse por un negocio.

Dada su activa y larga participación en el circuito, han visto como la música dance ha explotado, dando origen a nuevos géneros y nuevas tendencias, incluso llegando al pop. ¿Qué piensan de toda esta transformación y crecimiento?

Creo que sólo puede ayudar. Actualmente estamos de gira por estados Unidos, donde la música electrónica, o EDM como le llaman, ha explotado de manera gigantesca. Han encontrado su propia forma de entrar, pero creo que habrá chicos que se interesarán por saber dónde se originó esta música y se darán cuenta que hay mucho más por explorar.

Como resultado de esta explosión hay una nueva generación de productores trabajando un tipo de música genérica, sin escencia y que se adapta a las tendencias del momento. En una reciente conversación en SXSW, Richie Hawtin y Deadmau5 concordaron en que hay un mayor instinto a copiar que a crear algo nuevo. ¿Están de acuerdo con ellos? ¿Qué piensan de esta nueva camada de artistas?

Sin las copias no habría humanidad. El hombre copia, adapta, progresa y refina. Así es el mundo, no es algo totalmente malo. Lo negativo es cuando alguien encuentra una formula que funciona, que es innovadora, y otros productores la reconstruyen y matan.

En la misma conversación, Hawtin le dijo a Deadmau5 que, dada su popularidad, tiene una responsabilidad de educar a los más jóvenes y abrirlos a nuevos sonidos. ¿Qué opinan de esto? ¿Creen que los grandes actos debieran tomar esa responsabilidad?

Si, creo que es una responsabilidad, mientras eres capaz de tomarla.

Cuando tocamos en vivo, siempre incluímos aproximadamente un 30% de material no publicado, con el que hacemos pruebas y tomamos riesgos. Cuando nos presentamos como Djs, es común que toquemos en lugares donde el público está acostumbrado a la música comercial, como la que escuchan en la radio. Pero porqué deberíamos tomar el camino fácil y darle a la gente lo que quiere? No eres un artista por eso, cierto? Un artista nunca debe hacer lo que le dicen, pues está presentando su propia vision. La regla de oro es: Puedes hacer lo que se te ocurra, pero no seas aburrido.

Me encantan esas noches en que bajamos del escenario sabiendo que le dimos un buen momento a la gente y que disfrutaron de música o combinaciones que nunca habían escuchado antes. Es algo muy satisfactorio. Últimamente hemos escuchado mucho que hay gente que intenta buscar los tracks que tocamos en Shazam, pero no logran encontrarlos.

Este año lanzarán un nuevo álbum. ¿Qué nos puedes contar sobre el? ¿En qué se diferencia con los discos anteriores y que desafíos encontraron al trabajarlo?

Si, el nuevo disco! Fue duro, eso te lo puedo asegurar. Es nuestro quinto álbum y el desafío que nos volvió locos más de una vez fue encontar la forma de continuar un sonido que fuera reconocible como Booka Shade, pero al mismo tiempo poder innovar y encontrar tracks y sonidos que nos mantuvieran interesados. El álbum está listo y estamos muy contentos con el resultado. Será publicado durante el verano y habrá singles que lo adelantarán. El primero es Blackout:White Noise y el segundo será Love Inc.

Al trabajar un nuevo disco, ¿Integran conceptos pre-desarrollados para enfocar la estética de la música o simplemente la dejan fluir?

Si, siempre llegamos con nuevas ideas. Por ejemplo, para este nuevo álbum nos propusimos disminuir la producción con laptops y sintetizadores, para enfocarnos en más en tener grabaciones en vivo, como percusiones, baterías, órganos y equipos análogos. Queríamos una mayor profundidad y una mayor calidez en el sonido. Creo que el nuevo disco tiene el sonido más coherente que hemos logrado a la fecha.

En un vieja entrevista, Walter contó que, al producir un track, intentan mantenerse fieles al sonido y la escencia de Booka Shade. Gracias a esto su sonido es honesto y único al punto de ser difícil etiquetarlo bajo alguna categoría. ¿Es algo hecho a propósito?

No forzamos el no encajar en ninguna parte, simplemente ocurre así, por lo no nos preocupamos de eso. Creamos nuestro propio universo y, si ves los line-ups en los que nos presentamos, podrás ver la ecléctica diversidad de escenarios en los que tocamos. No conozco muchas bandas electrónicas que puedan hacer lo mismo.

Con el nuevo disco viene un nuevo show en vivo. ¿Qué conexión hay entre ambos?

Encontramos a un gran diseñador gráfico llamado La Boca que trabajó el arte del disco. Parte de su trabajo será reflejado en las visuales para el show, algo que esperamos poder comenzar a presentar después del verano junto con la gira de lanzamiento.

A pesar de que su propuesta es la de una banda en vivo, regresarán a Chile en formato dj-set, el que, en sus propias palabras, les permite escuchar música de otros artistas y de esa forma obtener ideas frescas. Además, es la forma en que pueden probar tracks que no han lanzado aún. Dada la estructura y los equipos involucrados, muchos definirían este formato como un live-act. ¿Qué les gusta de tocar como dj-set que no encuentran en los shows en vivo? ¿Qué podemos esperar de esta nueva actuación?

Estás en lo correcto. Nuestro set-up podría ser catalogado como Live por otros artistas, porque usamos varios laptops, sintetizadores y unidades de efectos para crear sonidos, pero desde que tenemos el show en vivo nos hemos acostumbrado a mantener clara la diferencia entre ambos. El dj set le da al público la mejor idea de que esperar y, normalmente, tratamos de tocar en clubs pequeños donde la gente nisiquiera puede esperar un show en vivo por lo reducido del lugar o porque simplemente no hay un escenario. Lo inspirador de este formato es que podemos probar fácilmente nuevas combinaciones de sonidos o tracks y podemos jugar con efectos e instrumentos. Es muy refrescante para nosotros.

Aunque tocamos mucha música de otros artistas, tenemos muchas versiones especiales de nuestros propios tracks adaptadas para djing. El público espera esto de nosotros. Aunque sepan que nos presentamos con un dj set, siguen viéndonos como una banda, pero en un formato diferente, lo que para ser honesto es muy bueno, ya que nuestros sets son como un show, no algo donde escuchas el mismo beat por 4 horas. Nos aburrimos fácilmente, por lo que necesitamos cosas nuevas ocurriendo siempre.

Por Ricardo Cáceres.

El norteamericano Josh Wink (Joshua Winkelman) es sin duda uno de los grandes innovadores dentro de los límites musicales entre los que se desarrollan techno y house. El músico, que a los 16 años ya participaba como dj residente en fiestas de su natal Philadelphia, ha sido protagonista y miembro activo de la escena electrónica desde que esta explotara al público a fines de la década de los 80.

En 1994, luego de publicar cuatro años antes y a través de Strictly Rhythm su primer Ep, Tribal Confusion, nace Ovum, su reconocido sello y desde donde en casi dos décadas ha editado el trabajo de nombres como Dj Pierre, Sébastien Léger, Steve Bug, Loco Dice y Steve Lawler, entre muchos más. El éxito internacional de su trabajo llega en 1995, cuando los clásicos Don’t Laugh y Higher State of Consciousness ven la luz y llegan a lo más alto de los rankings. Entre 1996 y 1998 publica dos Lps, los que muestran sus habilidades a la hora de degradar géneros y en los que logró combinar estilos como triphop, ambient y drum & bass a su marcada orientación techno/house.

Desde que su carrera comenzara a despegar, nunca ha vuelto a bajar las revoluciones. Ha colaborado con artistas como Carl Cox y Trent Reznor, ha remixado a Depeche Mode, Moby, Paul Oakenfold, Sieg Über Die Sonne y Dj Sneak, y ha publicado en sellos como Poker Flat, de Steve Bug, Rekids, de Radio Slave, Intec, del mencionado Cox, y Minus, de Richie Hawtin.

Capaz de imprimir distintas estéticas en su trabajo, siempre fiel a si mismo e ignorando los sonidos de moda para crear sus propias tendencias, Josh Wink se ha mantenido al tope de la vanguardia por más de dos décadas y ha recorrido los más importantes festivales y clubs del mundo presentando su música. A poco de haber publicado su primer trabajo en casi cinco años, nos comunicamos con un verdadero pionero de la escena electrónica mundial.

Gracias a tu trabajo estás constantemente viajando. Pasas mucho tiempo entre aeropuertos y hoteles, quizás más que en tu propio hogar. ¿Cuáles son, en tu opinión, los pros y contras de esta vida de dj?

Yo diría que ser una persona normal. “Vivo mi trabajo, pero odio mi empleo”. Con esto me refiero a que me encanta tocar y hacer música, pero es algo realmente agotador por los trenes y/o aviones, los taxis, los vuelos perdidos, el no dormir bien o simplemente nada, los cambios de horario, etc.

Además, ahora eres padre, por lo que debes saber balancear tu tiempo y dividirlo entre trabajo y familia. ¿Cómo ha cambiado tu vida desde el nacimiento de tu hijo? ¿Ha afectado tu música o la forma en que la abordas?

No ha afectado el sonido de mi música, aunque pensé que lo haría. Además hace poco pude volver a ajustar mis tiempos para volver a producir. Este ha sido el mayor cambio desde que nació, el tiempo; cómo hacer todas las cosas que solía hacer antes, ahora con un hijo.

¿En que qué contexto prefieres tocar: un festival o un pequeño club? ¿Cómo afecta el lugar la forma en que armas un set?

Me gusta el balance entre la intimidad del club y la efervescencia de un gran festival. La forma cambia junto con mi estado de ánimo, pero soy feliz de tocar en ambos ambientes. Si es un lugar pequeño y un dj toca antes, tomo la energía y vibra del público y la uso para orientar mi set. Me gusta mucho tocar en Panorama Bar, en Berlín, y Womb, en Tokyo.

Eres un nombre bastante conocido en Ibiza, lugar donde tocas regularmente y en el que cada año más artistas y sellos producen sus propias fiestas. Sven Vath, Pete Tong, Luciano, Richie Hawtin y Marco Carola son algunos ejemplos. ¿Cuáles crees que son las motivaciones para esto y qué opinas de esta tendencia? ¿Estarás en la isla este año?

Mientras la música sea de buena calidad, no veo porqué un dj exitoso no pueda tener su propia noche y de esa forma celebrar su visión y sonido. Yo tendré mis acostumbradas presentaciones en Ibiza durante la temporada, además de dos noches Ovum en Space.

Últimamente la isla se ha abierto a nuevos géneros, como hardstyle, el lado más indie de la música electrónica e incluso hiphop. ¿Qué opinas de esto y de la actual Ibiza?

Históricamente hablando, Ibiza siempre ha sido un lugar diverso, por lo que no veo una razón que impida que exista una mayor cantidad de géneros representados en la isla. No debería haber un enfoque sobre un sólo sonido.

Ovum, tu sello, cumplirá 20 años pronto. ¿Cuál ha sido la fórmula para esta longevidad? ¿Planeas celebrarlo de alguna forma?

Integridad, además de seguir nuestros corazones y no nuestras cabezas. No hay celebraciones programadas aún, pero sabrán de ellas cuando las estemos preparando!

El sello ha publicado una gran cantidad de artistas, cubriendo un amplio rango de géneros entre los que están techno, house e incluso drum & bass. ¿Cómo puedes abarcar tanto y aún así mantener una marca musical única? ¿Cómo identificas que un artista calze con el sonido Ovum?

Es algo de lo que simplemente nos damos cuenta al escuchar algo. Publicamos música en un intento de ser atemporales, “Será esta cancion relevante en 5, 10 años o más?”,  ”¿Suena a algún período musical específico?”. Dejamos pasar mucha música que sin duda serían grandes lanzamientos, pero no entran en en el perfil del sello. Es algo que a lo que nos apegamos fuertemente, sabiendo que hay gente que nos envía música teniendo en cuenta nuestro amplio rango de artistas.

Han pasado cuatro años desde que publicaste When a Banana was Just a Banana. ¿Tienes planes de trabajar en un nuevo disco? Y sólo por curiosidad… ¿Cómo llegaste a un nombre como ese?. Además, el 15 de abril lanzaste Balls, tu primer single en el mismo período de tiempo. ¿Porqué te tomó tanto tiempo trabajar en nueva música? ¿Estás contento con el resultado?

Así es, cuatro años. De forma resumida, el nombre se refiere a la pérdida de inocencia en la música. Durante mi infancia y adolescencia la música era simplemente música. Nadie era ridiculizado o tenía visiones del tipo “Sólo escucho este estilo”, ¡Yo crecí escuchando de todo!. Hoy en día mucha gente tiende a escuchar sólo un tipo de música, con una sólida razón de porqué lo hacen. Extraño la inocencia de cómo era cuando éramos jóvenes… cuando una banana era sólo una banana. Últimamente he viajado mucho y ahora soy padre. Esto hará que sea difícil encerrarse en el estudio y hacer nueva música, pero estoy contento de recuperar nuevamente  mi creatividad musical. ¡Además tengo nuevos proyecto en marcha!

Techno y house están en una constante evolución. Hace algunos años la tendencia era el minimalismo, luego la influencia latina se apoderó de su sonido y hoy existe un rescate a las raíces de Chicago y Detroit. ¿Qué opinas de esto y cuál crees que será el próximo paso?

Las tendencias son siempre tendencias, independiente el campo en el que trabajes, sea este arte, moda o música. Las cosas siempre están cambiando, aunque se mantienen de forma consistente frente al hecho de que siempre volverán a lo clásico. No tengo una opinión sobre esto; tiendo a encerrarme en mi propio mundo y no preocuparme de los estilos de moda, lo que no asumo como algo bueno, pero tampoco como algo malo.

Cuando produces, ¿Te adaptas a alguna de estas tendencias o sólo sigues tu instinto musical?

Simplemente soy yo mismo.

La tecnología para Djs también ha evolucionado enormemente, con nuevos y sofisticados equipos que brindan nuevas posibilidades para la construcción de sets y también para la producción. ¿Cuál es tu posición sobre el uso de tecnologías?

Trato usar un variado arsenal de software y equipos para producir. Es difícil estar siempre actualizado con lo último en equipos de producción y djing por sus constantes cambios evolutivos. Uso Traktor con controladores de cds y un controlador X1. Musicalmente uso un Mac con Ableton y Logic, además de varios plug-ins y piezas de hardware.

Gracias a estos avances, ser dj y/o productor no es lo mismo en comparación a algunos años atrás. Hoy básicamente todo lo que necesitas es un laptop, razón por la que muchos artistas jóvenes con no mucha experiencia logran gran popularidad, llegando a transformarse en una especie de djs-rockstars. ¿Qué piensas de esto?

¡Claro! ¿Porqué no? ¡Talento es talento!

Esto sin duda ha ayudado a la creación de la llamada EDM, que según has descrito es sólo música pop a la que integran elementos electrónicos. ¿Cómo crees que este nuevo género ha afectado a la música electrónica en general? ¿Hay algo que extrañes de los viejos tiempos?

Viendo el lado positivo de las cosas, abre las puertas para que la gente conozca la historia de la música electrónica. Sin el lado masivo y pop, posiblemente nunca investigarían el género, no conocerían quién inspiró a quién ni de dónde proviene la mayor parte de la música.

Internet ha probado ser un gran puente para que los artistas puedan conectar con sus fans, además de poder distribuir su música en plataformas como Beatport. ¿Qué opinas de este canal?

Puede ser tanto una gran herramienta como un gran problema. La gente puede aprender sobre nueva música de una forma en que antes nunca habrían podido. Pero, desde el lado del negocio, la piratearía y el robo de archivos siguen siendo un gran problema.

¿Hay desafíos que aún te queden por cumplir?

Los tengo todos los días. Espero siempre tener metas por las cuales esforzarme.

¿Qué hay planes hay en el futuro de Josh Wink?

Encontrar nuevos desafíos y hacerlos realidad. Seguir produciendo música y viajar por el mundo tocando!

Por Ricardo Cáceres.

En el comienzo estaba Jack, y Jack tenía groove. Pero fue la visión de Juan la que creó a Jack.

La década de los 80s se encontraba en su tercer año cuando Cybotron, proyecto formado por Juan Atkins y Rick Davis, publicó Clear, el primer track de la historia en recibir la etiqueta techno. Extrayendo elementos de las propuestas de bandas como Kraftwerk y Parliament Funkadelic, la pareja creó un sonido impredecible para la época, adelantándose a un futuro que protagonizaría, con núcleo en Detroit, una auténtica revolución musical.

Luego de separar caminos con Davis por diferencias artísticas, Atkins continuó experimentando en la música electrónica utilizando pseudónimos como Model500, Model600 e Infiniti. En 1985 funda Metroplex, sello a través del cual comienza a publicar sus producciones y que es hasta el día de hoy la vitrina desde donde presenta la exploración personal del género al que dio vida hace treinta años.

Juan Atkins es una referencia absoluta en la historia de la música electrónica, una figura indispensable con quien tuvimos la oportunidad de conversar unos minutos.

Dj The Electrifyin’ Mojo, Parliament Funkadelic, Giorgio Moroder y el electro-futurismo de Kraftwerk fueron algunas de las influencias que te llevaron a interesarte en la producción. ¿Qué te inspiró para conceptualizar el sonido que comenzabas a trabajar y que posteriormente fue conocido como techno?

Todos esos nombres que mencionas definitivamente afectaron mi sonido y el hecho que quisiera hacer música. Todos jugaron un rol fundamental en la formación de Juan Atkins. Creo que la mejor forma en que puedo contestar esto es que era el tiempo para un cambio en la música y de que surgiera algo nuevo, por lo que junté todas estas influencias y llegué al techno.

Techno y House están constantemente evolucionando, con nuevas tendencias inspirando nuevos sonidos, nuevas posibilidades e incluso nuevos géneros. Hoy en día ambas corrientes están fuertemente influenciadas por sus raíces en Detroit y Chicago, algo que ha incluso ha provocado el regreso a la escena de djs como Todd Terry y Dj Sneak. ¿Qué piensas de este interminable ciclo?

Sabes, la razón de porque tipos como ellos o yo nos mantenemos vigentes es porque creamos algo que era fresco, que fue concebido para durar y cuyo impacto sigue afectando a la música. Es por esto que muchos de nosotros seguimos tocando y siendo relevantes a lo que ocurre hoy. Creo que la forma en que nacen nuevos géneros es usando como base una plantilla del primer techno de Detroit. Una evidencia de que esto fue construido para mantenerse.

Actualmente sólo necesitas un laptop para crear música, la que luego puedes distribuir fácilmente y de manera gratuita. ¿Cuál es tu opinión sobre la digitalización de la música y sus efectos?

Creo que es bueno que con sólo presionar un botón puedas enviar tu material a todo el mundo. Cuando comencé grababamos en una cinta de dos tracks y, para poder mandarlo, teníamos que crear una copia para tener un respaldo en caso de que se perdiera en el correo o en algún lugar en el camino. Ahora, para enviar tu trabajo sólo necesitas crear un archivo y estás listo, lo que muy bueno y muy positivo.

Por otro lado, existen muchos programas que permiten hacer música de una forma muy fácil, con bases ya construidas y loops predefinidos, haciendo que crear tracks requiera menos creatividad, lo que no es muy bueno. Me gusta cuando alguien toma la tecnología, es creativo con ella y logra algo que no se podía hace 10 años. Eso es algo bueno y lo respeto, pero dar un par de clicks, presionar un par de botones y decir “Hey, tengo un track!”… creo que se puede dar un poco más que eso.

¿Qué extrañas de los viejos tiempos?

Lo único que podría extrañar es que, cuando comencé, tenías que saber lo que estabas haciendo. Hoy puedes escuchar un track y sentir cuanto esfuerzo y cuanto trabajo hay tras la creación de esa pieza. Hoy existen muchos elementos predefinidos que son usados por la misma gente, para diferentes producciones. Extraño el esfuerzo involucrado en la creación de música. No digo que eso no exista hoy, hay gente haciendo muy buenos tracks, pero hay mucha más gente haciendo música desechable, más que nunca.

Carl Cox dijo que el house es un sentimiento, Armand Van Helden que pretende ser un buen momento y Vince Lawrence que es una manera de liberarse. ¿Qué es el techno en las palabras de Juan Atkins?

Techno es futuro. Techno es progreso.

¿Qué crees que hace a Detroit tan especial que llegó a convertirse en la cuna del techno?

Hay algo en la ciudad, una magia que comenzó en los días de Motown. No te puedo decir exactamente qué es; hay algo en su atmósfera que hace que muchos músicos e innovadores vengan de allá.

Tu próximo lanzamiento en Metroplex cuenta con la colaboración de Ricardo Villalobos. ¿Cómo fue la experiencia de trabajar con el?

El vive en Berlin y yo trabajo bastante allá, por lo que era cosa de tiempo para que nuestros caminos se cruzaran. Es una gran persona.

Este año lanzarás un nuevo álbum. ¿Lo firmarás como Juan Atkins o como Model 500?

Será Model 500. Quizás habrá un álbum de Infiniti más adelante, pero por ahora estoy estoy trabajando y porfin terminando este, el que te garantizo será publicado antes de fin de año.

Esta será tu primera vez en el país. ¿Qué esperas del show?

Basado en mi experiencia con el público latino, les gusta la percusión, por lo que espero poder tocar muy groovy, muy funky; tracks sexys y muy rítmicos.

Por Ricardo Cáceres.

David Wolstencroft, nombre real del productor conocido como Trus’me, se ha convertido en una de las grandes promesas del 2013 gracias a su álbum Treat Me Right, el que fue publicado por su propio sello, Prime Numbers, y que demuestra el fresco y creativo enfoque que tiene de la música electrónica.

Con la nueva placa como sólo uno de los proyectos que tiene programados para este año, nos comunicamos con el músico para conocer un poco más sobre sus procesos de creación y su actual momento artístico.

Llevas ya varios años trabajando tocando y produciendo. ¿Cómo llegaste a la música electrónica?

Fue a través de un curso. Estudié una multi-disciplina en tecnología, donde me encontré sumergido en el lado ingenieril y de producción que este tenía. Desde ese momento estudié part-time en la School of Sound Recording en Manchester, Inglaterra, mientras terminaba mi master en Negocios. Creo que ambas carreras me han ayudado bastante a manejar un sello y transformar mi hobby en un trabajo.

Prime Numbers, tu sello, está a poco de cumplir 5 años. ¿Qué te llevó a fundar tu propia plataforma y cuáles son las metas que tenías en mente al hacerlo?

La frustración de que no me pagaran los trabajos que lancé en sello Stilove4music. Pero no nos vayamos por ese lado, si quieren saber más sobre eso pueden ir a Resident Advisor y revisar mi entrevista en RA Exchange.

Prime Numbers nació por las ansias de controlar los lanzamientos, desde su packaging hasta su sonido, además de la personalidad y control de calidad del producto final. Esto también me permite publicar música de amigos y conocidos a los que estimo, además de lanzar mi propia música.

¿Cómo definirías tu música y la que sale desde Prime Numbers?

La música en el sello es un libro abierto. Estoy buscando música atemporal, que no se apegue a una moda o a una tendencia, si no a la permanencia. Mis propias producciones cambian constantemente de forma dependiendo de donde me encuentre musicalmente. Mi paleta de sonidos es amplia, más que la de la mayoría de quienes participan en la escena electrónica; y ni siquiera he comenzado a expresarme. Aún tengo mucho más por explorar, musicalmente, en mis producciones.

En febrero publicaste Treat Me Right, tu nuevo álbum. ¿En qué se diferencia a tus discos anteriores, tanto en términos musicales como conceptuales?

Mi primer Lp, Working Nights, era principalmente una exploración del sampling, pero también trabajé con varios músicos. Para In The Red, el segundo, estaba fuertemente concentrado en trabajar con artistas, con colaboraciones de Am Fiddler y DâM-FunK. Treat Me Right fue un viaje alejado de esos métodos previos, por lo que trabajé por mis propios medios, con un montón de equipos y con un enfoque más electro, house y techno. Tal como en la vida, creces, maduras y te mueves en distintas direcciones. El desafío es siempre mantenerte en tu propio camino, pero progresar de forma estructurada. La vida no debe estancarse y tampoco lo debe hacer la música.

¿Cómo construyes la estructura de tu música? ¿Sigues ciertos conceptos, ideas o sentimientos?

Cuando me siento a trabajar en un LP, hago exactamente eso. Lo mismo para un Ep o un 12″. Decifro que es lo que estoy tratando de decir y decido cómo exactamente voy a ejecutar ese mensaje. Luego busco inspiración para ese sonido. A veces es algo instantáneo y a veces realmente necesito trabajarlo, pero en general dejo que la música nazca de forma natural, siempre dentro de una estructura controlada.

¿Cuál es la historia tras tu nombre artístico?

Es una muletilla que utilizamos al socializar para confirmar o reforzar un punto. La cantidad de veces que lo usamos diariamente es un poco cómica, especialmente cuando alguien conversa conmigo y se dan cuenta del hecho que han usado la expresión para reforzar lo que me estaban diciendo. Creo que es lo que hago con mi música y conmigo mismo como dj, te estoy pidiendo que creas en lo que hago. ¿No es esto lo que cada artista quiere?

¿Cómo son tus procesos de producción y cuáles son tus equipos?

Trato de mantener un sonido anadigital (análogo y digital), adoptando nuevas tecnologías, pero manteniendo la esencia y el sentimiento de un estudio de producción. He tenido todos los equipos clásicos: Juno 909, Pro One, etc, pero traté de no restringirme sólo a eso, por lo que comencé a investigar en el mundo de Spectrasonics y el increíble sonido generado por los chicos de Universal Audio. Tal como ocurre con mi sello, Prime Numbers, mi paleta es amplia, por lo que podrás escuchar influencias de maestros del minimal como DBX y Baby Ford a Hurley, Drexciya y, claro, Detroit.

¿Cuáles son los parámetros que definen si la música que estás produciendo seguirá un camino house o techno?

Creo que el ánimo que tenga o el momento del día en el que esté produciendo. A veces, cuando vuelvo de un club, me encuentro en un estado fantasioso y melancólico luego de escuchar tantos tracks potentes, de momento peak. También me ha ocurrido que de noche, al volver de un club,  llego con una idea y he necesitado plasmarla inmediatamente. Trato de no pensar mucho, ya que cuando lo haces pierde la magia y odio trabajar bajo la presión de un plazo, eso mata la esencia de la música, al menos para mi. Es muy raro que cumpla un plazo.

Eres de Manchester. ¿Hay algo de la ciudad en tu música? ¿La consideras una influencia? 

Manchester es miserable y húmeda.Es un lugar muy poco social. Este ambiente de muertos-vivientes te propulsa hacia el estudio, simple como eso. Ni siquiera pienso en crear un beat cuando estoy en el sol porque no quiero malgastar un rayo. Musicalmente la ciudad es muy rica. Es lo único que me ha ayudado a desarrollar mi paleta musical, pero no lo siento como algo proveniente de Manchester, si no de UK. Los británicos fusionan todo, desde la comida a la ropa y la música, que está llena de creatividad, por lo que yo diría que musicalmente UK es mi mayor influencia.

Comenzaste el año lanzando un nuevo álbum. ¿Cuáles son tus planes para el resto del año?

Seguir de gira promocionando mi nuevo disco. Ahora mismo, mientras escribo esto, estoy de gira por Asia, camino a Bali. Pronto vienen una serie de Lps de remixes, el lanzamiento número 17 de Prime Numbers, firmado por Truss, Adesse y Massimo Di Lena, y el primer Ep en solitario de nuestra nueva estrella, Adesse, que será acompañado por un Ep con remixes de Fred P y XDB. Hay muchas cosas por delante.

Por Ricardo Cáceres.

Marco Antonio Silva, mejor conocido como Dj Marky, tuvo su primer acercamiento a la música gracias a su padre, un multi-instrumentalista y coleccionista de vinilos que lo introdujo a temprana edad a sonidos como funk, soul y jazz. Posteriormente, un amigo le presentaría el arte del Djing, disciplina que adoptó desde corrientes más ligadas al hardcore, probando nuevos ritmos hasta conocer el jungle y finalmente el drum & bass.

En 1997 y durante un viaje a Sao Paulo, Bryan G, fundador de V Recordings, descubrió su talento, y, asombrado por las capacidades de mezcla del brasileño, lo invita a participar en el ciclo Movement en Londres. Este viaje no sólo significó la posibilidad de tocar para nuevos públicos, ya que también resultó ser el impulso final para una explosión meteórica de su trabajo y una visibilidad que nunca más disminuyó, convirtiéndolo en una estrella a nivel global.

Durante sus más de 20 años de carrera, el paulista se ha presentado en los clubs y festivales más importantes del mundo, ha producido tracks icónicos dentro del estilo, como LK y Só Tinha Que Ser Com Você, y ha re-mezclado a artistas de la talla de Deadmau5, Fatboy Slim y Laurent Garnier, entre muchos más.

Pasión y creatividad son dos adjetivos con los que podemos describir la actitud musical de Dj Marky, uno de los más importantes artistas de la escena drum & bass y con quien nos pusimos en contacto antes de una nueva visita al país para participar en Lollapalooza Chile 2013.

La música bass ha tenido un marcado crecimiento durante los últimos años. Uk Funky, Uk Garage, Drum & Bass y Dubstep lograron llegar a públicos más amplios y, por consecuencia, masificarse. ¿Cuál crees que fueron las razones por las que esto ocurrió y cuál es tu posición?

Es difícil saber el por qué, pero sé que son buenas noticias. Creo que más y más gente es capaz de hacer música electrónica, por lo que toda la escena está más abierta, lo que como resultado significa que hay más gente escuchando. También muchos artistas R&B y Hip-Hop están usando elementos de música bass en sus nuevos tracks, por lo hay un gran cruce promocional. Recuerdo cuando era muy difícil encontrar un track dance en Radio1, pero ahora no pasan más de 20 minutos sin uno!

Esta explosión ha llevado a géneros como el Dubstep a entrar fuertemente en mercados como el electro norteamericano, donde artistas como Skrillex han explotado el sub-estilo conocido como “Brostep”. ¿Qué piensas de esto?

Para mi está bien. Es otro primo lejano del drum & bass y tiene su propio lugar. No es para mí, pero entiendo por qué todos están tan encantados con él; aunque los bpm son un poco bajos para yo ser capaz de bailarlo.

¿Cómo ves el actual estado del Drum & Bass y dónde crees que va su futuro?

Creo que está en una muy buena posición. Hay mucha música de gran calidad y muy buenos productores emergiendo.

¿Qué hay de especial en su sonido que te hizo adoptarlo como un estilo de vida? 

Hay algo especial en la vibra del drum & bass. El tempo, las líneas de bajo, todo en conjunto funciona para crear algo que no puedes dejar de escuchar. Hace que la gente se quiera levantar y bailar de forma auténtica, ¡lo que es increíble!

Brazillian Job, disco publicado el 2002,  fue un trabajo clave en tu carrera. ¿Has pensado en trabajar en una segunda parte?

No. Creo que sería muy difícil hacer un segundo Brazillian Job. La escena ha cambiado mucho desde entonces y la forma en que la gente escucha música tambien ha cambiado. Cuando grabé ese disco estaba lleno de white labels y exclusividades a las que sólo los Djs más importantes tenían acceso. Hoy es difícil tener esos tracks exclusivos ya que, para que se puedan vender en iTunes, ya se deben encontrar disponibles, por lo que ya no hay el mismo sentimiento por ellos.

Aún así, me encanta lanzar mixtapes y planeo armar uno nuevo pronto.

Y sobre un nuevo álbum, ¿tienes planes?

Lo he pensado. Tengo mucha música lista para salir por mi sello, Innerground, así que quién sabe… Por ahora me concentraré en singles y Eps.

Tus colaboraciones con S.P.Y. han dado muy buenos resultados. ¿Han pensado en trabajar en un proyecto más grande, como un disco?

Lo hemos conversado y no hemos llegando a un no definitivo. Por el momento S.P.Y. está haciendo sus cosas en Hospital y se debe enfocar en eso.

¿Cómo va Innerground?

El sello va muy bien. Tuvimos lanzamientos muy potentes el 2012 y el 2013, lo comenzamos con un álbum de nuevos tracks, algo que nos tiene muy entusiasmados.

El sonido de tu música es muy característico. ¿Qué te inspira al momento de producir y cómo te preocupas de mantener ese sello musical durante el tiempo?

Cuando me siento a trabajar en un track necesito sentir una inspiración, la que normalmente proviene de algo personal o de donde sea que me encuentre en el momento. En términos de sonido, debe ser algo que pueda bailar y que pudiera tocar en mis sets si no fuera producido por mi. ¡A veces soy mi crítico más duro!

Eres conocido por presentar una actitud muy potente en cada actuación. ¿De dónde sacas toda esa energía?

¡No lo sé! (risas) Amo lo que hago y eso lo hace más fácil. Me estimulo con sólo entrar a un club. Tengo una especie de ansiedad nerviosa cuando escucho música, lo que se manifiesta en grandes cantidades de energía.

¿Cuál es tu tipo de set favorito: largo o corto?

Prefiero los sets largos, ya que puedo desarrollarme de mejor forma y sentir la energía del público. Para mí, 3 horas es lo óptimo.

La tecnología disponible para Djs ha tenido una gran evolución durante los últimos años. ¿Cómo te has adaptado a estas y cómo han afectado tu actual equipamiento?

Comencé a usar Serato hace un tiempo y ha cambiado mi vida! Con esto me refiero a que puedo ir a cualquier parte y tocar cualquier tipo de música sin tener que llevar 20 cajas de discos conmigo. Mientras adoptes la tecnología sin estar temeroso de ella deberías poder mantenerte bien. Disfruto los avances tecnológicos, pero no al punto de eliminar el aspecto físico de mezclar.

Luego de todos estos años tocando y viajando por el mundo, ¿Cuál es tu lugar favorito y la mejor fiesta en la que has estado?

Hay muchos lugares geniales para tocar en el mundo, como Fabric en Londres o Womb en Tokyo, pero es difícil elegir sólo uno.

La mejor fiesta debe ser la sesion back 2 back de 8 horas con Andy C en The End. Esa noche fue increíble.

Has estado un par de veces en Chile anteriormente. ¿Qué recuerdas de tus shows en nuestro país?

Es un gran lugar para tocar. Hay una muy buena vibra y la gente entiende la música muy bien, por lo que disfruto tocar allá.

Tu próximo show será en el marco de la tercera edición de Lollapalooza Chile. ¿Qué esperas de este evento y qué puede esperar el público de ti?

¡Va a ser una locura! Los festivales son un poco más descontrolados, por lo que estoy seguro de que sera una gran experiencia. Llegaré con una gran cantidad de nueva musica y tocaré mis acostumbrados y enérgicos sets, por lo que ¡deben estar preparados!.

Por Ricardo Cáceres.

Edición por Andrea Valdés.

Francisco Allendes ha pasado más de la mitad de su vida en contacto con la música. Durante su niñez estudió musica clásica y violín, en su adolescencia participó en bandas de rock progresivo y ya a los 20 años de edad, luego que su curiosidad por los sintetizadores lo sumergiera en la música electrónica, comienza a dar sus primeros pasos como dj y productor.

Vacas Locas, su debut oficial en el estudio, lo lleva a obtener un reconocimiento como Mejor Artista Electrónico del año, mientras que sus habilidades en las mezclas concretan presentaciones en las versiones locales de Creamfields y Love Parade, además de una importante participación en la edición alemana de esta última. Sus capacidades siguen evolucionando hasta que el 2009 publica trabajos a través de Cadenza y Kling Klong, plataformas que le permitieron ampliar el público que escuchaba su música y con el que comienza a recibir el apoyo de algunos de los artistas más importantes del circuito, como Ricardo Villalobos, Josh Wink y Luciano. Posteriormente lanzaría material desde vIVA Music, sello fundado por Steve Lawler, una de las más grandes referencias de la escena house.

El mismo 2009 conoce a Paola Poletto, dj y productora italiana con la que comienza una relación que va más allá del plano musical y que se convierte en la razón final para establecerse en Ibiza, lugar donde logra residencias en clubs como Ushuaia y las fiestas Cocoon. Juntos se convirtieron en una de las parejas más queridas de la isla, llamando la atención por el atractivo sonido que son capaces de construir en las sesiones en formato back to back que han presentado por gran parte de Europa y por la alegre energía que irradian en conjunto. El 2012 fundan Aurora Indigo, sello cuya primera, y hasta el momento única, publicación ha sido pinchada por algunos de los más renombrados artistas a nivel global, incluyendo a Marco Carola, Davide Squillace, Matthias Kaden, Michel Cleis y Nick Curly.

Hoy, y luego de llamar la atención de Loco Dice, Francisco y Paola son parte de Desolat y Artist Alife, el sello y agencia fundados por el artista alemán, que les ha permitido dar un nuevo paso en sus carreras. A poco del retorno al país de este destacado productor chileno, nos contactamos con el para conocer un poco más sobre su relación con la música.

Tu punto de llegada a la música fue gatillada por un vecino, el que te influenció al punto de querer estudiar algún instrumento, eligiendo el violín. ¿Qué recuerdas de esa época y porqué te llamó la atención ese instrumento en particular?

Recién nos habíamos cambiado de Iquique a Santiago. Yo estaba en los primeros años del colegio y vivíamos en un condominio, donde claramente todos se conocen. No era muy grande, y el vecino de 2 casas a la izquierda nos regalaba muchos casettes con musica clásica; mucho barroco, Bach, Vivaldi, Locatelli. En este estilo predominaban las cuerdas y casi siempre habia un violín, que era el solista, el que guiaba, y de ahí que me llamo la atención. Fue este mismo vecino quien nos contactó y quien sería mi primer y único profesor de violín por varios años. El año pasado, cuando estuve en Santiago revisando unos antiguos VHS llenos de polvo, encontré un par de cintas que mi papá había grabado de cuando tocábamos con la orquesta, algunos dúos con mi profesor, ensayos y exámenes que me hicieron recordar esta linda etapa en la que comenzó mi relación con la música.

Gracias a estos estudios aprendiste a leer música y sobre teoría musical, armonías, composición, entre otras cosas. ¿Cómo las aplicas a tu actual trabajo?

Claramente que aplico estos conocimientos a la hora de hacer música, pero que pueda explicar como lo hago es un poco más complicado. Cuando estudias la teoria de la musica, y la vas practicando, con el tiempo se convierte en un lenguaje que manejas de forma natural. Es como cuando aprendes a leer y escribir; al comienzo vas muy lento, aprendiendo cada letra, pero con el paso de los años es algo que haces sin detenerte a revisar las reglas de gramática y ortografía. Entonces, cuando entro en el estudio y enciendo los equipos, a la hora de tocar teclas y programar ritmos hay una parte de la teoría musical que estoy usando, pero también hay otra parte muy importante que está fuera de la teoría y que tiene que ver con el uso de la tecnología, la técnica y la experimentación.

Poco a poco tu relación con la música fue cambiando, hasta que, luego de una visita al mítico club Tantra en una rave donde se presentaba Nick Warren, fuiste seducido por la música electrónica y la adoptaste como estilo de vida. ¿Qué te llamó la atención de ella y cómo supiste que era lo que querías hacer el resto de tu vida?

El problema que siempre aparecía cuando tocaba con bandas era que los distintos integrantes siempre tenían diferentes niveles de compromiso con el proyecto. Al ser dj/productor puedes hacer todo tu solo, desde la creación de un track hasta la presentación en vivo, entonces no tienes que depender del tiempo de otras personas para completar tu trabajo. Esto fue lo que en un principio me llamo la atención.

Tu debut en la producción fue con Vacas Locas, un álbum publicado en el sello Techfest el año 2003. ¿Cómo fueron los procesos de producción de ese primer material y cómo se diferencian a tu actual forma de trabajo?

Vacas Locas fue mi primer disco y hoy tiene un valor mas simbólico que musical para mi. Cuando lo hice estaba recién entrando en el mundo de los softwares de producción. También llevaba muy poco tiempo poniendo música y conocía muy poco de música electrónica. ¡Fue hace 10 años!

Lo hice en un laptop, trabajando la mayor parte del tiempo con audífonos y apretando botones un poco al azar. Desde entonces mi manera de trabajar ha cambiado mucho, a lo largo de este tiempo he ido aprendiendo muchos trucos de estudio y seleccionando máquinas que hoy son indispensables para mi.

Este trabajo fue clave para tu carrera, pues te abrió las puertas a nuevas presentaciones e incluso un premio como al mejor productor del año otorgado por una reconocida marca de whisky. Ahí comenzaron los viajes, la posibilidad de ver a artistas como Richie Hawtin, Dave Clarke y Gabriel Ananda, proyectos colaborativos como Monomachine (junto a Iñigo Oruezabal) y la participación en Love Parade Berlín. Salir de Chile y llegar a Europa sin duda abrió los horizontes de tu música al integrar nuevas influencias y presentar nuevas oportunidades. ¿Cuán importante fue este gran paso en tu carrera?

Esos primeros viajes fueron como cuando dejas la sala de clase y entras a la cancha. O mejor dicho, dejas la sala de clases y entras a mirar la cancha desde la banca. Cambió mi visión de la música electrónica completamente. En 2 o 3 meses cambié totalmente mi estilo al ser bombardeado por todas estos nuevos sonidos que nunca imagine que existían. Poder conocer y conversar con algunos artistas también fue una gran motivación. En particular, fue Gabriel Ananda quien me dijo: “Si tu música es buena, tu sólo tienes que trabajar y trabajar. Algún día se van a fijar en ti”. Estoy seguro que el no se acuerda de quién soy, pero yo siempre me acordaré de este gran consejo.

En una antigua entrevista comentaste que la vida del dj queda obsoleta rápidamente. ¿De qué forma te mantienes vigente luego de más de una década de actividad? ¿Sientes que vives en una permanente evolución como artista?

La música va cambiando rápidamente. Cada año los estilos van mutando y lo que gustaba ayer, hoy aburre. Aparecen nuevos djs con el hit del momento, así que la evolución es fundamental. Hay que adaptarse o te quedas en el camino. Si bien llevo 10 años haciendo esto, es hace sólo un par de años que estoy en el circuito profesional. ¡Es ahora cuando realmente empieza el trabajo!

La música en formato físico (vinilo o cd), tiene significado para ti, por esto fundaste junto a Marcelo Rosselot, Andes Music, el primer sello con distribución en vinilo de Chile. ¿Cuál es su presente y futuro?

Andes Music ha estado un poco detenido este último par de años. Marcelo y yo estamos con distintos proyectos que nos toman mucho tiempo, y no vivir cerca nos hace un poco mas difícil trabajar. Esto no significa que Andes Music esté cerrado, es más, tenemos planes para este año que vienen a hechar a andar el sello nuevamente.

El 2009 publicaste los Eps Llovizna y Espíritu, el primero en Cadenza y el segundo en Kling Klong, dos importantes sellos. Ambos singles fueron además producidos junto a Felipe Venegas y lograron una gran recepción por parte de importantes músicos. ¿Qué significaron estos trabajos para tu carrera y cómo fue tu experiencia de colaborar con estos sellos?

Ya en 2008 había editado por un par de sellos de renombre, pero fueron discos que no reventaron. Así que cuando en el 2009 sacamos por Kling Klong y Cadenza, y tuvimos la suerte que estos tracks vendieran muy bien y se escucharan mucho, empezaron a pasar cosas que antes no pasaban. Mi carrera tomó un giro más internacional y se abrieron muchas puertas que me ayudaron a estar donde estoy ahora.

Actualmente estás radicado en Ibiza, donde has potenciado aún más tu carrera, llegando incluso a ser parte de eventos como Cocoon Heroes. ¿Qué te llevó a tomar la decisión de establecerte allá y qué ha representado para ti este cambio?

En 2010 fui llamado a ser residente del club Ushuaia en Ibiza. Fue un súper año donde pude compartir cabina con grandes djs y conectarme con sellos que siempre he admirado. Ahí fue donde comencé a pinchar con Cocoon (una de las mejores fiestas de mi vida fue un after Cocoon en Ushuaia con Dubfire), y ahí me escuchó también por primera vez Loco Dice. Después de ese excelente verano tuve claro que tenía que establecerme ahí. Ya voy por mi tercer año viviendo en la isla y no puedo estar más encantado.

Paola (Poletto) no es sólo tu compañera artística, ya también tienes una relación formal con ella. ¿Cómo es trabajar en pareja y cómo separan su vida musical de la personal?

Tenemos la suerte de compartir la misma pasión, y cuando vives de tu pasión es muy difícil separarla de la vida personal. Nuestra vida es la música, es un elemento fundamental en nuestro día a día. En el estudio lo pasamos genial, ya que tenemos diferentes raíces musicales que se complementan muy bien. Cada uno propone elementos que pueden combinarse bien o no, jugamos en el estudio y a veces de una broma sacamos un tema. Ya sabes, de esas bromas que entiendes solo tú y tu chica. Indigo nació así, Chicken From Cosmo, Gatto Pushon, etc.

Junto a ella fundaste el 2012 el sello Aurora Indigo. ¿Qué diferencia tiene con Andes Music y cómo ha resultado todo hasta el momento?

Aurora Indigo es el producto de muchas horas de hablar y filosofar en intimidad. Está relacionado con la nueva era en la que la humanidad está entrando y la importancia de los jóvenes en ella. Es diferente a Andes Music en el concepto. Vamos con mucha calma, hemos sacado solo 1 release el primer año, pero ha tenido muy buena recepción. Para este 2013 tenemos otro lanzamiento listo que saldrá por mayo/junio.

Uno de los últimos logros de tu carrera fue llegar a Desolat y a su agencia de booking, Artist Alife. ¿Cómo llegaste a ellos y de qué forma ha afectado la forma en que trabajas tu música?

Conocí a Loco Dice en Ushuaia el 2010, pero fue el 2011 cuando hubo una conexión más concreta. Cuando hicimos el tema Chicken From Cosmo, Paola lo envió a Dice y el lo quiso inmediatamente. Luego tuvimos que completar ese disco para el 2012 (Animals EP) y firmó uno mio para 2013. Esta fue la excusa perfecta para entrar a la agencia y hoy pertenecemos a Artist Alife. Entrar a una agencia de tal importancia es un gran paso en la carrera de cualquier DJ y contar con el apoyo de un grande como Loco Dice es una súper ayuda. Basta con decirte que si no fuera por su support no estaría este viernes pinchando en Santiago!

Tu próximo show en Chile será justamente junto al mismísimo Loco Dice. ¿Qué esperas de este show y qué podemos esperar nosotros de el?

Bueno, sin duda va a ser una noche muy buena: Street Machine hace los mejores eventos de Chile, Loco Dice es un top mundial y en la Blondie! Tengo excelentes recuerdos de este club. Nos pegaremos una excelente fiesta. ¡Espero verlos ahí amigos!

Por Ricardo Cáceres.

Steve Aoki es una de las más grandes estrellas que la música electrónica de corte masivo posee en la actualidad. La alta demanda por sus shows lo mantiene viajando gran parte del año, llegando a concretar giras en las que ha recorrido un total de 55 ciudades entre Estados Unidos y Canadá para presentarse en 60 ocasiones.

Su música se mueve entre las corrientes más populares del electro-house y el dubstep americano, inyectando altas dosis de rock, pop y rap para saciar la infinita sed de fiesta que tiene una nueva generación de jóvenes, los principales consumidores de su trabajo. Durante su carrera, el norteamericano ha remezclado a artistas como Lenny Kravitz, Duran Duran, Drake, Eminem, The Killers, Chris Cornell y Timbaland, y ha colaborado con otros como Armand Van Helden, Boys Noize, The Bloody Beetroots y Junkie XL. El 2012 publica su esperado primer álbum, Wonderland, que describe como un completo y amplio espectro de la música que lo ha influenciado y que contó con la participación de músicos como Rivers Cuomo, Travis Barker y Kid Cudi.

Su sello Dim Mak Records, con más de 15 años de vida, ha sido el responsable de impulsar la carrera de algunos de los más importantes actos indie de la actualidad, entre los que cuentan Bloc Party, The Gossip, Klaxons, MSTRKRFT, The Bloody Beetroots y muchos más.

Lollapalooza marcará el debut en Chile de Steve Aoki, uno de los más dj más audaces de la denominada escena EDM y con quien nos comunicamos para conocerlo, un poco más, antes de su show.

¿Cómo se convierte el hijo de Hiroaki Aoki (dueño de la cadena de restaurantes Benihana) en un artista de música electrónica de éxito mundial?

Simplemente fui guiado por la pasión. Me inicié en la música a una temprana edad y posteriormente se convirtió en mi vida, por lo que decidí seguir mis sueños; perseguir mi búsqueda de la felicidad.

¿Intentó alguna vez tu padre hacerte parte de la tradición familiar y que trabajaras en un restaurant, o te dejó producir tu música sin problemas?

Trabajé en un restaurant y otras cosas cuando joven para hacer algo de dinero, pero finalmente entendió que mi decisión era hacer algo más. Quise seguir mi sueño y el estuvo de acuerdo con eso.

Tu música llega principalmente a un público más joven. ¿Qué opinas de esto?

No hago música enfocada a un público en particular, sólo me preocupo de que me haga sentir algo específico. Si bien conecta con un público más joven, no es algo que haga a propósito. Hacer música que me inspire es lo más importante.

A pesar de que llevas un largo tiempo en la industria musical, no fue sino hasta el 2012 que publicaste tu primer disco, Wonderland. ¿Porqué que te tomó tanto tiempo?

Es un álbum lleno de colaboraciones, por lo que fue un largo proceso. Mucha gente no entiende que cuando trabajas con tantos artistas estás lidiando con sus managers y sellos, por lo que a veces el papeleo legal tras esto retrasa el lanzamiento. Puedes acumular entre 8 meses y un año en los trámites para lanzar sólo una canción.

En el disco están presentes LMFAO, Travis Barker, Kid Cudi, Will.I.Am, Rivers Cuomo, Lil Jon, Lovefoxxx, entre muchos otros artistas, todos de equipos diferentes, por lo que tomó un buen tiempo.

Tu sello, Dim Mak, se ha convertido en uno de los más grandes en la escena electro house en USA. ¿Cuál crees es la formula que los ha llevado a este éxito?

No estamos en una competencia. He manejado mi sello por 16 años a un ritmo tranquilo y estable. Considero a Dim Mak como un sello que firma a músicos innovadores de distintos géneros. Hemos editado, literalmente, todo tipo de música, desde folk, como Young People, a indie como Bloc Party; bandas instrumentales de math-rock como Battles, rock & roll como The Kills, artistas electro como MSTRKRFT o The Bloody Beetroots, psytrance como Infected Mushroom, dubstep como Datsik y Killbot o house más groovie como Azari & III.

Siempre he querido firmar artistas que están haciendo algo único, original y creativo. Tenemos dos nuevas bandas inglesas para este 2013, New Ivory y Scanners, además de dos artistas hiphop, uno llamado Robert Raimon Roy y el otro Will Brennan, y también un nuevo disco de Proxy. Además, publicaremos un montón de singles de músicos de todo el mundo. Somos un sello muy, muy ocupado.

Esta apertura de géneros con que trabaja el sello los ha llevado a firmar artistas como Atari Teenage Riot e Infected Mushroom. ¿Qué ingrediente debe tener un artista y su música para ser firmado por Dim Mak?

Lo más importante es que sea fiel a su arte. No importa la música que haga, puedo encontrar originalidad en cualquier estilo.

Mi consejo es: se sincero contigo mismo, mantente progresando y potenciando tu trabajo. Cuando escucho algo espero que me inspire, lo puede ocurrir por oir algo totalmente nuevo o que, simplemente, mejore mi día. Puede ser cualquier cosa.

El éxito de la cultura electrónica en Estados Unidos durante los últimos años queda comprobado con la cantidad de festivales que existen, entre los que están Ultra, Electric Daisy Carnival o IDentity, todos agotando sus tickets con semanas de anticipación. ¿Cómo vez la escena norteamericana y cuál crees que han sido las razones que dieron origen a esta explosión?

Creo que hay muchos factores, pero uno de ellos es el boom que ha sido internet. Hoy la gente encuentra música a través de YouTube en vez de la televisión o la radio, por lo que artistas como yo pueden ser escuchados por cualquier persona, en cualquier momento. Hay muchos músicos que están logrando visibilidad porque la gente ya no está obligada a escuchar a través de los canales regulares y los pueden encontrar a través de fuentes que son gratis y más accesibles.

La escena EDM norteamericana se caracteriza por tener entre sus filas a una gran cantidad de jóvenes djs, muchos de los cuales emergen de forma rápida. ¿Crees que el boom de internet es una de estas razones o hay más?

Claro que hay más, sólo te estoy dando una. Ya no necesitas grandes estudios, puedes hacer prácticamente todo en un laptop. Yo mismo trabajé una gran parte de mi disco en uno. Muchas ideas nacían y las podía desarrollar en cualquier lugar.

No necesitas gastar dinero para hacer un hit, lo puedes hacer desarrollando bien tu trabajo. No requiere dinero, requiere tiempo.

Existe una interminable discusión sobre los equipos que usa un dj y si estos son análogos o digitales. ¿Cuál es tu set-up actual y porqué eliges esa opción?

Comencé tocando vinilo, pero luego cambié a Serato, ya que es más cómodo, porque no tenía que andar trayendo conmigo una maleta con discos a cada lugar que iba. Luego cambié nuevamente a CDj. A veces uso dispositivos USB, pero me siento más comodo con Serato y CDs, principalmente porque me permite reproducir video junto con mi música. Tengo un poco de tecnología extra potenciando mis sets, especialmente en mis shows en vivo. Prefiero usar Serato Video, ya que puedo controlar las salidas de video al mismo tiempo que estoy mezclando, no me siento cómodo usando DVDjs.

Gracias a tu éxito estás constantemente en gira, con aproximadamente 250 shows por año. ¿Cómo ha afectado esta actividad tu vida personal?

Este no es mi primer año en tour, llevo este ritmo desde 2007, por lo que no es algo nuevo para mi. Quizás para alguien que está comenzando y deja su casa por primera vez, sí, afecta, pero yo llevo haciendo esto por más de 5 años, por lo que ya es parte de mi rutina.

Tus shows son conocidos por ser muy intensos. ¿Cómo manejas tener ánimo y energía para todas las presentaciones y que no te derrote el cansancio?

Se necesita mucho control mental y físico de mi parte, pero me recargo cada vez que veo al público. Ellos son quienes me dan energía y quienes podrían, eventualmente, darse la vuelta y no interesarse más por mi música. Es un dar y recibir. Es parecido a una relación, vez al público como alguien de quien te preocupas.

¿Qué sabes del público chileno o sudamericano?

Sudamérica es uno de mis lugares favoritos en el mundo para ir de viaje o de gira. Estoy muy entusiasmado de volver.

El show que darás en Lollapalooza es además tu debut en Chile. ¿Qué esperas de la presentación?

Me gusta esperar lo inesperado. Estoy preparado para cualquier cosa.

Por Ricardo Cáceres.

En 1988 comenzó una aventura musical que, gracias a la dedicación, pasión y constancia, duraría más de dos décadas y llevaría a los británicos Layo Paskin y Matthew Bushwacka a convertirse en uno de los actos más influyentes dentro de la escena techno-house a nivel global. Con cuatro álbums de estudio publicados, remixes para artistas como Paul Oakenfold, Bebel Gilberto, Sasha o Unkle, y presentaciones en todo el mundo, el nombre de Layo y Bushwacka! está inscrito en la historia como un referente indiscutido, inspirando y conquistando a miles con su visión única de la música dance.

A casi 25 años de iniciada esta exitosa travesía musical, la pareja decide separare para comenzar cada uno una nueva historia, y mientras Layo cuelga los audífonos para dedicarse a su familia y vida personal, Bushwacka da vuelta la página para iniciar un nuevo capítulo en su carrera, esta vez en solitario y re-estructurando la forma en que enfrenta al género al que ha dedicado más de un cuarto de siglo.

Ad portas de su última visita a Chile junto a su compañero, nos contactamos con Matthew Bushwacka para conocer un poco más sobre esta nueva etapa profesional.

Luego de 20 años de actividad como uno de los más legendarios actos en la escena house, Layo & Bushwacka deciden dividir caminos, con Layo retirándose de la música y tu continuando bajo el alias, Just Be. ¿Qué los llevó a tomar esta decisión?

Sentí que necesitaba tomar esta ruta para mantener las cosas frescas, emocionantes y para mantenerme mi pasión intacta. Layo y yo hemos logrado mucho con nuestro trabajo en conjunto. El tiempo nos hizo mejores amigos y esto nunca cambiará, sólo quiero empujarme hacia nuevos límites y desarrollar algo nuevo.

¿Es esto una separación definitiva o sólo una pausa?

Por este año tocaremos cada dos meses en Londres, pero como siempre decimos, “Nunca digas nunca”!.

Mi foco en el futuro inmediato está en Just Be.

El 2005 fundaron Olmeto Records, su propio sello. ¿Correrá el mismo destino que el dúo?

Cerraremos Olmeto, ya que fue creado como una plataforma para publicar únicamente nuestra música.

Inicialmente no he planeado comenzar mi propio sello, pero veremos como resulta todo, podría estar en las cartas.

Pasando a Just Be, ¿Cuán diferente es el sonido de la música que trabajas actualmente comparada con la de Layo & Bushwacka? ¿Te sientes con una mayor libertad creativa?

Just Be sonará muy fresco, ya que, entre otras cosas, construí un nuevo estudio y lo armé con nuevos equipos, algo que de seguro me encaminará hacia una dirección creativa diferente. Estaré concentrado en sonidos profundos y viajeros, pero también probaré nuevas ideas para ver donde me llevan. El proyecto está recién comenzando, pero la respuesta ha sido muy buena.

¿Cómo describirías tu nuevo sonido? ¿Qué conceptos influencian esta nueva etapa musical?

En parte acabo de responder esto. Las influencias serán principalmente mis emociones y sentimientos, así como mis viajes, actuaciones y lo que pueda recoger a través del tiempo. Me gusta recolectar la mayor cantidad de bosquejos, para luego retomarlos y comenzar a desarrollarlos.

¿Cómo te sientes tocando solo?

De una forma egoísta, es genial, ya que puedo tocar sets más largos y llevar a la gente a un viaje personal. Cuando tocábamos junto a Layo hace unos 5 o más años, los sets solían durar como mínimo 5 o 6 horas. Esto nunca fue un problema, pero últimamente nos dividíamos en sets de dos horas cada uno, tiempo que no es suficiente para entrar en ritmo.

¿Qué objetivos persigues en este nuevo camino?

Pretendo llevar al proyecto Just Be lo más alto posible, hacer música realmente buena y entregar a la gente una experiencia fantástica cuando me escuchen. Con el tiempo trabajaré en distintos formatos de presentación, integrando ejecución en vivo y mezclas, y usando futuras tecnologías al máximo para lograrlo.

Tu música ya ha sido publicada en grandes sellos, como Crosstown Rebels y Get Physical, los que sin duda han sido un gran impulso para su exposición. ¿Cómo llegaste a ellos y cómo has visto la recepción de tu trabajo?

Uno de mis objetivos principales es trabajar con sellos consistentes y bien establecidos, a los que respeto y me gusten. Crosstown Rebels y Get Physical están, en mi opinión, definitivamente entre los mejores. La recepción de mi nueva música ha sido realmente buena hasta el momento, aunque tengo claro que solo he tocado la superficie y que hay mucho más por venir. Conozco a Damian (Lazarus, fundador de Crosstown) y a Patrick (miembro de M.A.N.D.Y. y fundador de GPM) hace bastante tiempo; son grandes personas y muy interesados en música que sea tan versátil como buena, por lo que acercarme a ellos fue algo natural.

¿Has pensado trabajar en un álbum?

No por el momento, sólo me quiero concentrar en singles y remixes.

La escena electrónica no es la misma que cuando comenzaste; hay nuevos géneros, nuevas formas de distribución y nuevos equipos para tocar y producir. Como alguien que ha vivido sus cambios y etapas durante los últimos 20 años, ¿Cómo vez su actual estado y hacia dónde crees que va su futuro?

Pienso en esto diariamente. Es bastante difícil predecir el futuro. Parece ser que la mayoría de la gente no compra música y que muchos la escuchan en sus teléfonos. Pasamos días, semanas, produciendo con la mejor calidad posible y luego la gente la escucha generalmente en mp3s de baja calidad, YouTube o a través de sus teléfonos. Realmente ha cambiado mucho. También la cantidad de veces que llego a un show y hay alguien tocando con un laptop, sin controladores, sin vinilos o cds para mezclar, sólo sincronizando con un botón. Es muy diferente hoy en día.

De todas formas, tocar en vivo lo es todo cuando llegas a un nivel alto. Esto continuará desarrollándose, con nuevas tecnologías y grandes talentos que lograrán cosas muy frescas e interesantes.

Estos nuevos géneros han atraído nuevas generaciones de públicos, djs y productores, además de nuevos eventos. ¿Cuál es tu postura sobre esto?

No profundizo mucho en los nuevos géneros, por lo que no tengo mucho que decir sobre esto, a excepción de que UK es el rey en ello. Hemos dado inicio una y otra vez a sonidos que luego se transforman en fenómenos mundiales y me siento orgulloso de ser parte de eso. Hace 14 años hicimos lo mismo con el tech-house y mucha de la música que escucho hoy suena idéntica a la que creábamos en ese tiempo, sólo que es producida por gente nueva.

¿Tienen estas tendencias algún efecto sobre tu trabajo?

La verdad no, pero hace algunos días un amigo puso algo de música Electro en YouTube y, aunque no me gustó la música y nunca había escuchado a ese productor, no podía creer que el track tuviera 1.5 millones de visitas! Me hizo darme cuenta que hay una gran cantidad de gente haciendo cosas que nunca escucharía.

Estás en medio de un tour sudamericano. ¿Qué piensas de la escena en este lado del mundo?

Sudamérica es genial, me encanta aquí. Brasil se ha vuelto muy comercial, pero Argentina, Chile y el resto de Latinoamérica siguen disfrutando nuestro sonido.

Me encanta la energía que hay aquí, es la mejor!

Después de todos estos años, ¿Qué significa para ti la música house?

Bueno, es mi vida, así de simple. La vivo, respiro, creo, toco y adoro!

¿Qué planes tienes para el 2013?

Continuar desarrollando Just Be y animar todas las pistas posibles.

Por Ricardo Cáceres.

El alegre carisma de Ray Okpara no es sólo una de las grandes cualidades que lo caracterizan como persona, si no también el gran ingrediente que tiene su música, una efervecente propuesta que lo ha convertido en una de las grandes revelaciones de la escena house en los últimos años.

Luego de publicar exitosos singles, remixes y Eps en sellos como Cécille, Get Physical y Area Remote, el productor con raíces nigerianas decidió dar un paso más en su carrera para sumergirse en la ambiciosa aventura de componer un álbum. De esta forma nace Good Times, larga duración que publicó en noviembre del 2012 través de Mobilee, el prestigioso sello fundado por Anja Schneider y Ralf Kollmannm, y que lo embarcó en un tour sudamericano que lo trae por primera vez a Chile.

Naciste en Alemania, te criaste en Nigeria y finalmente regresaste a Europa. ¿Qué hay en ti de cada cultura y cómo definen estas al actual Ray Okpara?

Tomo lo mejor de ambas, pero no sé realmente de qué forma me definen. Muchos amigos me comentan en ciertas situaciones “Ray, estás actuando como un típico alemán”.

Esta mezcla de culturas debe traer un amplio espectro de influencias a tu música… ¿Qué te inspira al momento de producir?

Me dejo inspirar por las ciudades, su gente, los after-hours, los viajes y diferentes estilos de música. No sabría explicarte cómo ocurre, pues sólo pasa. ¡Es mágico!

A pesar de que tus comienzos en la música se conectan con el rap, cambiaste 100% hacia la música techno y house. ¿Cómo llegaste a estos géneros?

Crecí con rap y hip-hop, y aún me encantan. Pero al terminar los 90 comencé a ir más a fiestas electrónicas, donde, de alguna forma, me encanté por la vibra del house, el drum & bass y el techno, los que delinean mi camino hasta el día de hoy.

¿Qué piensas sobre el fácil acceso que existe hoy a tecnologías de mezcla y producción?

Afortunadamente yo comencé un poco antes, hace unos 13 años. Me refiero a mezclar como dj, por lo que tengo mucho tiempo de práctica.Producir fue simplemente el siguiente paso. Convertir las interpretaciones en música. Si bien debes ser bueno, lo más importante es sentir la música, al público, el club, etc. ¡Debes vivirlo y amarlo! La gente lo verá y sentirá.

Como Johnny D siempre dice: “Es sólo un sentimiento”.

Te haz declarado fan del vinilo, pero no tienes muchas oportunidades de tocar con ellos. ¿Cuál es tu setup actual?

Hoy en día toco con vinilo, cd y dispositivos conectados por usb, pero para el tour sudamericano sólo traje los dos últimos. Los vinilos los llevo sólo donde se que podré tocar con ellos, donde se preocupen de los sistemas de sonido, agujas y tornamesas. Si sé que podré usarlos, llevo la mayor cantidad posible.

Luego de publicar en sellos como Area Remote, Oslo y Cécille, el 2012 publicaste Good Times en Mobilee, Anja Schneider. ¿Qué significó esto para tu carrera?

Me acercó más a Mobilee. El equipo me brindó todo su apoyo. Tenía muchos tracks, pero necesitaba una historia. Good Times fluyó fácil, ya que durante el tiempo en que me fui a vivir a Berlín muchos amigos llegaron a visitarme. Por esto razón hay tantas colaboraciones en el disco. Creo que fue el momento correcto.

Sobre mi carrera, ¡espero que todo siga tal como está!

¿Porqué no lo lanzaste a través de AMA, tu propio sello?

Conversé con Anja y Ralf y estaban felices con la idea de un álbum. De lo contrario quizás lo habría publicado a través de AMA.

Hay que ser honesto con el hecho de que lanzarlo a través de Mobilee, que es un gran sello, tiene mucho sentido. ¡Estoy feliz!

¿Hubo un proceso especial de producción en esta ocasión? ¿Trabajaste la música desde un enfoque diferente?

La verdad no. Todo resultó muy natural….

De vuelta en AMA. ¿Porqué decidiste comenzar tu propio sello?

Muy simple: Recibí tantos buenos demos, que decidí reflejar lo que toco y que me gustaría publicar. Creo que a la gente le gusta.

Por cierto, manejo el sello yo mismo, por lo que no puedo tener lanzamientos muy seguido, sólo cada dos o tres meses. Me apego a publicar en vinilo mientras sea posible.

Pronto visitarás Chile por primera vez. ¿Sabes algo del país?

Debo decir que no mucho, lo que me averguenza un poco. Sé que ustedes me presentarán el país, estoy muy entusiasmado.

¿Qué esperas de tus shows y qué esperas del público?

Espero que pasemos un buen momento juntos. Mientras escribo esto estoy en el tren viajando a Punta del Este. No he dormido mucho ya que la fiesta en Crobar junto a Ariel y Ronan fue increíble.

Por Ricardo Cáceres.

Edición por Andrea Valdés.

Dueño de un talento único, Frank Heinrich ha logrado que su trabajo traspase distintas fronteras a lo largo de su carrera, conquistando a públicos alrededor de todo el globo a través de la cálidez y atractivo que proyecta su visión de la música house. Su versatilidad le permite integrar con facilidad en sus producciones percusiones e influencias jazz, las que ha presentado en escenarios tan importantes como Pacha y Space, en Ibiza o Panorama Bar y Watergate, en Berlín

El artista conocido como Reboot ha logrado un reconocimiento internacional gracias al contagioso y alegre ritmo que imprime no sólo en sus presentaciones, si no también en las publicaciones que ha lanzado desde sellos como Cadenza, Love Letters from Oslo, Cocoon y Sei Es Drum, entre otros.

A pesar de que llevas más 20 años produciendo, Cadenza marcó un cambio importante en tu carrera. ¿Cómo llegaste al sello y qué han significado Cadenza y Luciano?

La primera vez que encontré música de Cadenza fue en una tienda de discos. Comenzando con su primer lanzamiento, me puse a investigar el mundo de ritmos y sonidos de Luciano, hasta que hace unos 6 o 7 años le envié unos cds. No podía creer cuando recibí un llamado de vuelta. Ahí comenzó todo y desde ese día se convirtió en uno de mis más grandes apoyos. Hizo mucho por mi carrera. Pero aún más importante es que en el equipo Cadenza encontré una familia y muchos amigos, ¡Me siento en casa!

¿Cómo llegaste a la música electrónica y qué te llevó a orientar tu trabajo hacia la pista de baile?

Alrededor de 1990 había un programa de radio llamado Clubnight, conducido por Sven Vath. Recuerdo que nos sentabamos frente a nuestros equipos de música y no podíamos esperar para que el show comenzara y poder grabarlo. Fue la primera influencia que tuve directamente sobre música electrónica de club, más alla de la típica música pop de la radio.

Uno o dos años después, un viejo amigo me llevó a Omen, en Frankfurt, la legendaria base de operaciones de Sven. La atmósfera y energía que había en ese pequeño salón y en la pista de baile eran tan impresionantes que supe inmediatamente que eso era lo mío. Poco después comencé a comprar discos y a ahorrar para mi primera batería digital.

Tu música tiene un sello propio por lo percusivo de su sonido. ¿Qué influencias te llevaron a este sonido y qué te inspira hoy en día?

Fue un proceso largo, por supuesto. Siempre estuve interesado en los ritmos complejos y las estructuras de groove como los que se encuentran en los poli-ritmos de la música Latinoamericana o Africana. También funk, jazz y trip-hop han sido grandes influencias. Como este es un enorme universo de sonidos y canciones, nunca han dejado de atraerme.

Otra gran influencia han sido tanto mis viajes como la gente que he conocido. Cada país tiene su propio sonido o vibra urbana. Absorbo mucho de eso.

Has sido parte de las tres temporadas de Vagabundos, el ciclo de fiestas de Cadenza en Ibiza. ¿Qué significa para ti el concepto Vagabundos? ¿Qué te pareció la última temporada?

Creo que el concepto Vagabundos representa perfectamente la forma en que vivimos actualmente; viajando por todo el mundo, enfiestándonos como locos y dejando gran desorden por donde pasamos.

Esto es donde el concepto mismo nace, pero lo exageramos usando maquillajes, gorros, ropas, diseños, etc, para hacerlo más entretenido para el público y claro, para nosotros mismos también. Tiene mucho que ver con no tomarte muy enserio a ti mismo y simplemente pasar un buen rato.

El 2011 superamos la primera temporada, por lo que fue un gran desafío para todos nosotros llegar con algo grande nuevamente. Cambiamos la cabina de dj en Pacha y nos enfocamos aún más en el equipo de artistas de Cadenza, dándole a cada uno la oportunidad de representarse a sí mismo y al sonido del sello. La temporada terminó de forma fantástica, con un fin de semana mágico tras otro.

Trabajar en Shunyata, tu disco debut, fue un proceso totalmente nuevo para ti. ¿Qué aprendiste de el y cómo lo aplicaste en tus siguientes trabajos?

El trabajo con Shunyata fue algo así como una gran sesión de improvisación. No fue sólo una colección de trabajos viejos, pues lo produje en cerca de tres meses dentro de un flujo continuo.

Sobre el equipamiento que usé, no cambió mucho luego del álbum, pero si estoy constantemente remodelándo mi set-up y buscando nuevos equipos.

Lo que si aprendí es que no hay que marcar una fecha de término! Sólo crea presión. Cuando está terminado, está terminado.

¿Tienes planes de trabajar en un nuevo álbum?

Actualmente estoy construyendo un nuevo estudio y tengo muchos viajes por delante, pero sin duda comenzaré a trabajar en un nuevo álbum durante el 2013.

Cuando apagas los equipos y disfrutas tu tiempo libre, ¿Qué música escuchas?

Casi nada orientado a club. Más que nada jazz, dub y reggae, música del mundo, blues y últimamente mucha música clásica.

Te has presentado frente a diferentes públicos alrededor del mundo. ¿Cuáles son las principales diferencias que has notado entre ellos?

Hay diferencias en cada país dependiendo los gustos musicales, intensidad, lenguaje corporal o atmósferas, pero lo maravilloso es que nuestra interpretación de la música dance encuentra seguidores en todo el mundo. En Australia, Asia, Europa, Nor y Sur America puedes encontrar gente que disfruta y ama la música que hacemos. ¡Y todos saben como lograr una gran fiesta!

Tu primer show en Chile fue en enero del 2010. ¿Qué recuerdas de esa experiencia?

¡Fue genial! Me encantó el lugar, la gente y la vibra. Lamentablemente no pude quedarme por mucho tiempo.

¿Cómo has evolucionado como músico desde entonces y cómo ha cambiado tu sonido?

Como músico, siempre debes encontrar nuevas entradas o influencias que, logicamente, te llevan a una evolución.

Dado que hoy toco más, y en pistas más grandes, el sonido ha cambiado hacia una dirección más animada, pero sigo profundizando en la música house. Aún me encanta tocar en clubs pequeños.

Te encanta producir bootlegs que guardas para ti mismo o que regalas de forma exclusiva a algunos amigos. ¿Sigues haciendo esto? ¿Qué te gusta de ello?

He producido muchos, muchos bootlegs, pero como has notado, un 90% de ellos nunca han sido publicados.

Para mi esta es la oportunidad de integrar algunos temas únicos y no editados en mis sets, y claro, los comparto con algunos de mis amigos. Me gusta este intercambio y aún lo hago.

Al momento de producir o tocar, ¿Prefieres equipos análogos o digitales?

Mi estudio está basado en equipamiento análogo.

Sólo uso el computador para grabar, arreglar y mezclar. Me gusta el sonido específico, los pequeños errores y el groove aleatorio que te entregan los equipos análogos. Esto es algo que se podría hacer simplemente con un software, pero me encanta mover perillas.

Para mis dj sets, uso Traktor y controladores. Manejar 4 decks me da mejores opciones para crear nuevos loops y canciones en comparación al vinilo, pero creo que todos deberían encontrar la forma que mejor les acomode, sea digital o análogo.

¿Cuál es tu ambiente favorito para tocar, club o festival?

Es difícil de decir. Ambos tienen su atractivo propio y realmente depende del lugar, refiriéndome con esto a toda la producción del festival, el sonido, la atmósfera, etc. Pero tocar en un club pequeño con un gran sistema de sonido es algo que aún me encanta. Estás junto a la gente y se puede generar una intensa atmósfera.

Por Ricardo Cáceres.

Edición por Trinidad Vargas.