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Entrevistas

TOKiMONSTA

Conversamos con la artista californiana a poco de participar en el festival Sónar.

Podemos considerar a Jennifer Lee como una viajera; una trotamundos cuyos destinos son siempre misteriosos y la vez sorpresivos. Con raíces koreanas y norteamericanas, la artista que forma su trabajo como TOKiMONSTA es una que vive en una constante transformación, cambios que resultan del eclecticismo con que trata su trabajo y de una motivación que no teme investigar en nuevos conceptos. Original e innovadora, la base de su propuesta es una combinación de experimentación, hiphop y música de baile, a lo que suma melodías que, en conjunto, definen una personalidad artística única. Diversa como productora y dinámica como dj, ha llamado la atención de tanto prensa especializada como referencias de industria. Sin ir más lejos, Flying Lotus, fundador de Brainfeeder, la integró a su equipo como la primera mujer en ingresar al sello. Su habilidad de adaptarse no solo queda demostrada al entrar al estudio, ya que es capaz de desenvolverse con soltura en distintos clubs o festivales y, por consecuencia, diferentes públicos. Low End Theory, Mutek, Movement o S.S. Coachella, todos han sido testigos del talento de esta nativa de Los Angeles, California. Entrar en la dimensión musical de TOKiMONSTA es sumergirse en un mundo de paisajes modernos, coloridos y que rehusan ubicarse en alguna parte de la línea de tiempo.

 

Estuviste en clases de piano por más de una década. ¿Cómo llegaste a la música electrónica? ¿Cuáles fueron tus primeros acercamientos?

 

Mi inclinación por la música electrónica llegó después de que me interesara en el hiphop, pero entré en ella cuando descubrí una curiosidad general por la música. Me acerqué por primera vez a través de la escena rave en una época en que escuché mucho drum & bass y techno. Luego conocí a nombres como Squarepusher y Aphex Twin.

 

¿Son estos estudios aún una influencia en tu música o los procesos de composición?

 

Si, el piano sin duda influencia la forma en que escribo música. Siento que la mayoría de las piezas clásicas cuentan una historia, por lo que intento hacer lo mismo con lo mío. Muchos productores tienden a simplemente armar loops, pero a mi me gusta la idea de que en una canción exista un comienzo, un punto medio y un final.

 

 

Has mencionado a Dj Sneak, Aphex Twin, Squarepusher y Raewkwon como grandes influencias. Todos producen distintos tipos de música, con diferentes ritmos y mensajes. ¿Qué es lo que te inspira de cada uno de ellos y cómo aplicas esto en tu música?

 

Me gusta la crudeza de Raekwon, la ingenuidad de Aphex Twin y Squarepusher, y el alma y simpleza de gente como Dj Sneak y Cajmere. Así que con mi música intento ser creativa, pero siempre manteniendo un poco de espíritu. Por lo general las canciones que hago tienen una carga emocional; algunas son agresivas, como Raekwon, y otras más sensibles.

 

El hiphop también tiene una fuerte presencia en tu música. ¿Es una de tus metas derribar los límites entre música electrónica y otros géneros?

 

Es un gran logro poder disminuir o eliminar los límites entre géneros. Puedo mezclar la percusión del bossa nova con notas de jazz, tener sintetizadores y un beat hiphop; son muchas las combinaciones y elementos que puedes tomar de estilos de música que ya existen.

 

 

Estás en un ambiente con una mayor presencia masculina, pero has logrado el éxito por crear música de gran calidad y ser una gran artista ¿Cómo te sientes, como mujer, dentro de la escena? ¿Consideras esto una ventaja o una desventaja?

 

Me siento bien como mujer dentro de la escena. Parte de mi camino al éxito viene de no victimizarme por ser diferente. Hay distintos tipos de gente en la música, pero los que logran el éxito son los que se hacen respetar por su trabajo y carácter. Ser mujer es una ventaja y una desventaja. La realidad es que la gente no puede ignorar lo que soy, por lo que te dan más o menos atención, mayor o menor juicio, etc.

 

En 2011 publicaste un Ep por Brainfeeder, un sello conocido por un enfoque experimental y visión innovadora. ¿Cómo llegaste a él? ¿Qué significo para tu carrera trabajar en una plataforma con tanto presitigio y junto a un nombre tan influyente como Flying Lotus?

 

Llegué al sello por estar cerca, creo. Todos en Brainfeeder eran inicialmente amigos. Flylo me preguntó si quería sacar algo con ellos y dije “Si, claro”. Fue un proceso bastante simple. Es genial ver el prestigio que ha alcanzado el sello durante los años y cómo sus artistas han influenciado a tanta gente.

 

Además eres de Los Angeles, ciudad conocida por una escena solida y muy creativa. ¿Ha sido este entorno una influencia en tu trabajo?

 

Estuve muy involucrada en la escena beat de aquí, por lo que siento que fue totalmente una gran influencia en mi trabajo, incluso hoy. Estoy trabajando en nuevos proyectos con los que siento que estoy volviendo a mis raíces; haciendo beats que tienen baterías con mayor volumen y que llaman la atención de la gente casi de forma inmediata. Así era la escena en un comienzo, donde se tocaban clips de un minuto y se intentaba enganchar a la gente basándose en esa forma.

 

Luego, en 2012 lanzaste un disco como Analogue Monsta, un proyecto conjunto con Suzi Analogue. ¿Cómo se originó esta colaboración? ¿Cuáles son las diferencias con tu trabajo individual? ¿Planean retomarlo en el futuro próximo?

 

El proyecto nació en el tiempo en que viajamos juntas, cuando yo estaba de gira con Bonobo entre 2010 y 2011. Escuchamos mucho SWV y r&b de los noventa mientras estábamos en el auto. Esto fue antes de la tendencia que hay ahora. Creo que ambas nos simplificamos un poco para esto con la intención de lograr un mensaje claro. De hecho ahora mismo tengo una canción con Suzi, la que estoy trabajando para mi próximo proyecto, el que es muy similar a Analogue Monsta.

 

 

Tu primer disco salió hace ya cuatro años. ¿Cómo fue la experiencia de producir un disco completo? Si lo escuchas ahora, ¿le cambiarías algo o estás satisfecha con lo que lograste?

 

Creo que fue bueno poder contar una historia más amplia en el disco. Hay cosas que probablemente cambiaría si pudiera, pero estoy contenta de no poder, ya que ese álbum es el registro de un momento en el tiempo, como una fotografía en audio.

 

Tres años después regresaste con Half Shadows, un disco que mantiene tu forma de producción, pero que tiene un mayor rango de influencias, lo que como consecuencia te llevó a nuevos públicos. ¿Sientes que tu estilo de trabajo evolucionó entre ambos álbums?

 

La producción definitivamente evolucionó. Había un espacio muy grande entre ambos discos. Creo que tuve nuevas influencias, además de haber estado menos condicionada por lo que me importaba cuando hice el anterior.

 

Half Shadows fue publicado por Ultra, un sello conocido por tener un sonido y audiencia diferentes a las de Brainfeeder. ¿Porqué decidiste cambiarte? ¿Hubo una intención de llevar un lado más moderno y experimental de la música electrónica a públicos más populares?

 

Hice el cambio porque quise averiguar si podía llegar a un público que no sabe que hay música electrónica más allá de los grandes nombres EDM. De alguna forma funcionó, de otra no. Tal vez fui muy ambiciosa, pero me alegro de haberlo intentado. También estoy feliz de ser nuevamente una artista independiente.

 

Mencionaste que Half Shadows es un disco más personal y que fue producido de una forma en que te guste a ti misma escucharlo mientras estés en casa. ¿Es este enfoque el que sigues al trabajar en nueva música?

 

Si. Siempre hago música con total honestidad. Crear música es un proceso casi egoísta; creas lo que realmente quieres y no para otra gente. Al menos este es mi enfoque. Se que hay artistas que producen música de una forma en que se preocupan únicamente en cómo otra gente la recibirá. Para mi, para poder innovar, necesitas simplemente pensar en qué es lo que quieres lograr para ti mismo.

 

 

Pronto tocarás en Sónar, uno de los festivales más importantes dentro de la escena de la música electrónica. Estarás en el escenario de Red Bull Music Academy con nombres como Dâm-Funk, Rudi Zygadlo y Sinjin Hawke. ¿Qué piensas de este evento y cómo te sientes al ser parte de él?

 

Sónar es un festival increíble. Toqué ahí en 2010, cuando mi carrera recién comenzaba, así que estoy feliz de poder volver y mostrarle a la gente cuánto he cambiado.

 

¿Crees que este tipo de encuentros exponen al público a nuevas tendencias y nuevos sonidos?

 

Es sin duda alguna una plataforma educacional y de la forma más entretenida posible. Sónar es genial: puedes tomar mojitos, escuchar buena música, hay buena comida y buena vibra.

 

En términos generales y hablando de las posibilidades que existen tanto para crear como para distribuir. ¿Cuál crees que es el actual estado de la música electrónica?

 

La música electrónica hoy es una locura. Casi todo es electrónico de alguna forma. Está un poco sobrecargado, pero gracias a esto la barra sube aún más. Cualquiera que quiera dedicarse a la música tiene que tener una propuesta de calidad, y por esto la gente se está volviendo más innovadora.

 

¿Cuáles son tus planes para el futuro próximo?

 

¡Nueva música!

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